Los carteles más conocidos e influyentes de la historia del diseño (II)

Los carteles más conocidos e influyentes de la historia del diseño (II)
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Continúo con la segunda parte de este artículo donde selecciono los que, para mí, son los carteles más conocidos e influyentes de la historia del diseño.

Estoy seguro de que me he dejado a muchos olvidados en el tintero y, quizás, en opinión de cada uno, otros que aparecen no deberían hacerlo. De lo que sí estoy seguro es que todos los carteles que aparecen forman parte de la memoria colectiva y hoy son reconocidas “obras de arte” e historia del diseño gráfico. 

1935. Normandie (Cassandre)

La primera parte de este artículo finalizaba con un cartel de Cassandre, y esta segunda comienza con, quizás, su obra más emblemática, The Normandie.

Este transatlántico de la Compagnie Générale Transatlantique, entró en servicio en 1935 y hasta ese momento fue el más grande y veloz jamás construido.

El cartel, de estilo Art Decó como el interior del navío, muestra la simplicidad y simetría de la vista frontal del casco que se avecina, transmitiendo su gran tamaño y su elegancia aerodinámica.

1939. Keep Calm And Carry On (Anónimo)

Keep Calm and Carry On (Mantén la calma y sigue adelante) es un cartel producido por el gobierno británico en 1939, al inicio de la Segunda Guerra Mundial, con el objetivo de elevar la moral a la ciudadanía en el caso de producirse una invasión.

Se presenta con un fondo rojo y llamativo, la corona simbólica del Rey Jorge VI y una tipografía simple pero efectiva.

A pesar de realizarse más de dos millones de copias, nunca se utilizó. Fueron destruidos después de la guerra. Sin embargo, alguno sobrevivió, como el que permaneció oculto hasta el año 2000, cuando en Alnwick, un librero descubrió una copia polvorienta escondida en una pila de libros comprados en una subasta.

1943. We Can Do It! (J. Howard Miller)

Este cartel, convertido hoy en un icono de la lucha de las mujeres contra la desigualdad, no tuvo esa intención cuando fue creado en 1943 por J. Howard Miller. Tampoco buscaba levantar la moral a las mujeres trabajadoras que sustituían a los hombres en las fábricas durante la Segunda Guerra Mundial. Su sentido era más oscuro.

La imagen fue utilizada solamente en febrero de 1943 y expresamente para uso interno de la empresa Westinghouse Electric, con el objetivo de exhortar a las mujeres ya contratadas a trabajar más duro, más fuete, más horas. Por lo tanto el cartel pasó desapercibido durante cuatro décadas hasta que, en 1982, se redescubrió y empezó a reproducirse ampliamente, siendo utilizado para promover el movimiento feminista reinterpretando su mensaje.

We can do it! (¡Podemos hacerlo!), también conocido como “Rosie, the riveter” (Rosie, la remachadora), representa una mujer fuerte, trabajadora, del periodo de guerra, mirando al espectador con determinación mientras muestra su brazo en tensión como símbolo de fuerza. Naomi Parker Fraley, es la mujer en la que se inspira Howard Miller para la imagen del cartel. Éste a su vez, está basado en la obra “Rosie, the riveter” del artista Norman Rockwell.

1948. Norit (Josep Artigas)

Josep Artigas i Ojeda fue uno de los diseñadores más destacados de la segunda mitad del siglo XX en España. Nacido en Barcelona en 1919, se formó en la Escuela de Bellas Artes de La Llotja y compaginaba de joven sus estudios trabajando de aprendiz para la agencia Valor.

Sus trabajos más representativos tuvieron lugar cuando formó parte, en 1949, del departamento de publicidad de la empresa Cruz Verde. De esa etapa destacan sus proyectos del “corderito de Norit” o el mítico anuncio de Polil.

El cartel de Norit transmite un mensaje claro y distintivo con pocos medios, con la representación en colores planos de un animal tierno y cariñoso y un texto muy corto. Una imagen que aún despierta nostalgia pese a que todavía se utiliza en los paquetes de detergente.

Durante la dictadura franquista, a pesar del aislamiento internacional y las escasas referencias que podían llegar del exterior, en España se crearon diseños de gran calidad.

1956. TWA (David Klein)

David Klein fue un ilustrador estadounidense conocido por sus proyectos publicitarios para Broadway y Hollywood, pero donde más destacó fue en la realización de los carteles de viajes para la Trans World Airlines (TWA) de Howard Huges durante las décadas de los 50 y 60. Su trabajo para la TWA le valieron muchos premios y reconocimientos.

El uso de colores brillantes, la representación abstracta de monumentos famosos, los motivos culturales y su diseño, definió la línea de cartel de la época. En sus obras quedan patentes la emoción y el entusiasmo de los primeros viajes en avión durante el boom económico de la posguerra.

Este cartel, utilizado en una agencia de viajes de Austin, Texas, presenta en la parte superior un avión Lockheed Constellation sobrevolando una interpretación abstracta de Times Square en Nueva York.

Esta obra pasó a formar parte de la colección permanente del MoMA de Nueva York y se considera una de las mejores representaciones gráficas de Times Square.

1959. Anatomy of a murder (Saul Bass)

Si hubo un nombre ligado al diseño de carteles cinematográficos, fue el del norteamericano Saul Bass. Su particular estilo en su diseño e incluso en los títulos de crédito, aún magistrales a día de hoy, lo hace perfectamente reconocible.

El cartel, de 1959, para la película “Anatomy of a murder” (Anatomía de un asesinato), es toda una lección de simplicidad, complejidad y efectividad al mismo tiempo, definiendo, como nunca antes, la identidad de una película.

“Anatomy of a murder” del director Otto Preminger, es considerado como el mejor cartel de cine de la historia.

El inconfundible estilo de Bass también quedará patente en otras producciones posteriores de Alfred Hitchcock, Kubrick y John Ford entre otros.

1966. Dylan (Milton Glaser)

Eran los años sesenta, el cartel dejó de tener una función meramente publicitaria y empezó a adaptarse a un formato más pequeño con una finalidad estrictamente decorativa, el póster. Ejemplo de la unión entre el diseño gráfico y la cultura juvenil.

Cuando Milton Glaser recibió este encargo, apenas era conocido como diseñador. Fue John Berg, director de CBS Records, quien le pidió la realización de un cartel para incluirlo en el LP de Grandes Éxitos de Bob Dylan de 1966.

Glaser, se inspiró en el autorretrato de Marcel Duchamp de 1957. Aunque hace una composición similar, añade la melena rizada como en arco iris y utiliza colores saturados que contrastan con el fondo, dándole el toque psicodélico de los sesenta. Incluso inventó un tipo de letra para escribir la palabra Dylan.

El revolucionario diseño de Dylan se convirtió en icono psicodélico de la música y la contracultura.

1968. Viva Che! (Jim Fitzpatrick)

En 1960, el fotógrafo Alberto Korda inmortalizaba con su cámara a Ernesto Che Guevara, pero no fue hasta ocho años después, cuando el artista irlandés Jim Fitzpatrick la retocó y adaptó a un cartel que se convirtió en todo un símbolo revolucionario e icono de la cultura popular.

Fue muy utilizado como símbolo de protesta estudiantil en Europa pero también fue una de las imágenes más explotadas de la historia con todo tipo de fines. Andy Warhol lo incluyó en su serie de rostros serigrafiados y en el Museo de la Revolución de Cuba es un éxito de merchandising.

Como anécdota del cartel podemos observar la inicial «F» del artista escondida en el hombro del Che.

Un año antes, en 1967, el cartelista polaco Roman Cieślewicz, ya había hecho una versión de la misma foto, titulada “Che Si” y que se expone en el MoMA de Nueva York.

1972. Kabaret (Wiktor Gorka)

Los grandes estudios norteamericanos de Hollywood se encargaban de la distribución mundial de sus películas, pero al llegar a Polonia, con una industria cinematográfica controlada por el Estado, los artistas polacos debían interpretar sus propias versiones de los carteles de cine.

Muchos de ellos ni siquiera tenían que ver con el título de la película, lo cual, sumado al alfabeto polaco, los convertía en indistinguibles para el público de fuera del país. Eran raros, y eso los hizo únicos.

El diseñador gráfico polaco Wiktor Górka fue el cofundador de la Escuela de Carteles Polacos cuyos principios más importantes fueron la simplicidad y la claridad, el uso de símbolos concisos y metáforas poéticas.

En “Kabaret» mezcló erotismo y política mediante unas sinuosas piernas, sobre un fondo rojo oscuro, que adquieren la forma de una cruz gamada. La función es presentada por un deformado maestro de ceremonias (Joel Gray) en la confluencia de todos los símbolos.

Sánchez López, R.
1975. Mónaco (Michael Turner)

Este diseño para el Gran Premio de Mónaco de 1975 fue realizado por el artista Michael Turner. La imagen, de colores vibrantes, es la protagonista de este cartel donde se hace un uso mínimo de la tipografía. El vehículo, en posición inclinada y saliendo de la composición transmite sensación de dinamismo y velocidad sobre la escena con Mónaco al fondo.

1982. Eye Bee M (Paul Rand)

Paul Rand, es uno de los máximos exponentes de la llamada “imagen corporativa”, consistente en el control de la imagen pública de una empresa mediante la creación de un estilo unificado.

Este cartel para la IBM simboliza la vigencia y continuidad del racionalismo del diseño basado en el grafismo puro.

“La eliminación de ornamentos, la búsqueda de signos claros y distintivos, el dominio del espacio y los recursos gráficos, y la integración de tipografía, fotografía e ilustración para expresar lo inexpresable”.

Captar al espectador y hacerlo partícipe de este “juego” de símbolos para que encuentre la solución, hace que el mensaje de este cartel sea memorable.

El significado de los elementos gráficos es el siguiente:
El ojo: percepción, entendimiento, visión.
La abeja: laboriosidad, dedicación, perseverancia.
La M: motivación, mérito, fuerza moral.
Cualidades que caracterizan a los hombres y mujeres que trabajan para la compañía IBM.

1995. The Public Theater de Nueva York (Paula Scher)

En 1994, The Public Theater de Nueva York encarga a la diseñadora norteamericana Paula Scher su identidad gráfica. Scher, junto a su equipo de Pentagram, no solo crea la identidad de tintes urbanos y transgresores sino todo un sistema y un proyecto desarrollado que, a día de hoy, sirve de inspiración a varias generaciones de diseñadores.

En el cartel “Bring In ‘Da Noise”, utilizó la misma tipografía usada en la identidad del teatro. El título de la obra y el logo rodeaban al artista como una especie de ruido urbano. Por primera vez, las promociones del teatro se vieron en todo Nueva York, desde Harlem hasta Times Square.

Después de esta campaña, el estilo tipográfico de The Public Theater apareció por todas partes, desde páginas de revistas hasta folletos de otros shows. De hecho, todos los folletos de teatro cambiaron y comenzaron a utilizar este estilo de tipografía en mayúsculas. El Public tuvo que cambiar sus campañas constantemente para mantenerse a la vanguardia de un mercado muy competitivo.

2008. Hope (Shepard Fairey)

Antes de representar la campaña presidencial de Obama de 2008, Shepard Fairey (Obey), grafitero y diseñador gráfico creó este póster en un día. La imagen esta inspirada en la fotografía original de Mannie García (lo que le provocó un conflicto con la agencia de noticias AP) y los colores utilizados son variaciones del rojo, blanco y azul de la bandera de Estados Unidos. El resultado es una mezcla entre el Constructivismo Ruso y los anuncios de Marlboro.

Lo que no se puede negar es la importante carga política del cartel. El Obama de Shepard Fairey es al siglo XXI lo que El Che de Jim Fitzpatrick al siglo XX.

Lo imprimió el mismo realizando 700 copias serigrafiadas. Meses después, su retrato alcanzaba los 300.000 ejemplares.


Fuentes consultadas:
graffica.info – valenciaplaza.com – .xerox.com – lavanguardia.com – monografias.com – expobus.us.es – dylanitas.com – moma.org – sobreelmundodelcine.com – galeriadecarteles.blogspot.com – illostribute.com – islandartcards.com – considerable.com – worthpoint.com – sleepydays.es – laimprentacg.com – ahmagazine.es – elespanol.com – keepcalmandcarryon.com – theguardian.com – history.blog.gov.uk – elpais.com – historialdedisenio.wordpress.com – es.gallerix.ru – encimadelaniebla.com – actuallynotes.com – elmundo.es – harpers.org – illustrationchronicles.com – kingandmcgaw.com – sherpaprint.com – londonhistorians.wordpress.com – luzyartes.com – jotdown.es – sitographics.com – plan-ab.es – historia-arte.com – muchafoundation.org – metmuseum.org – artehistoria.com – visual.gi/ – disenadorasgraficas.com -mcnbiografias.com – bauhauseso.blogspot.com – undgxsemana.tumblr.com – Wikipedia – El arte del Siglo XX.

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